yasumasa yonehara

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最終更新日: 2026/04/20

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KAREZMADが初のコラージュ作品展を開催します僕からのステイトメントです。 2000年代、街の壁はメディアだった。クラブイベントのフライヤー、ポスター、グラフィティ、タグ。誰かが貼り、その上に誰かが描き、さらにその上からまた新しい紙が重なる。街の壁は、情報と表現が同時に存在する場所で、常に更新され続けていた。今のようにSNSがある時代ではない。だから僕たちは、街そのものを使って情報を流し、表現をしていた。KAREZMADも、まさにその時代のストリートにいた人間だ。クラブのフライヤーを作りそれを配る。パーティ告知のポスターを作り、街に貼り、また次のポスターを作る。その繰り返しの中で、街の壁は自然とコラージュ状態になっていく。ストリートアートの歴史を振り返ると、ニューヨークのグラフィティも、ポスターアートも、都市の表面にイメージを重ねていく文化だった。貼られ、剥がされ、また上から重なる。都市の壁は、常に更新され続ける巨大なコラージュでもあった。 KAREZMADがいま制作している作品は、その都市のレイヤー構造を、作品として再構成したものだと思う。紙が重なり、イメージが重なり、時間が重なっていく。そこには2000年代のストリートの空気がそのまま残っている。今回の展示は、かつてストリートで自然に行われていた行為を、いまギャラリーという場所に持ち込む試みでもある。ストリートで生まれた視覚文化を、アートとして読み直す。つまりこれは、2000年代のストリートカルチャーを、いま改めて作品として提示する展示でもある。 KAREZMAD SOLO EXHIBITION 「THE RAW WALLS」 2026.3.19~3.26 at tHE GALLERY HARAJUKU

2026/03/08に公開- 指定なし

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本当は日本にはこんな神たちがいろんなとこにいた。いや、まだいるのに僕たちの目には見えなくなってるのかもしれない。宮間夕子個展始まりました。推薦文作品に描かれているのは、人物や神獣、自然の気配。けれどそれらは、モチーフとして配置されているというより、私たちと同じ空間に同時に存在している感覚に近い。彼女の作品は、神話やアニミズムといった言葉で簡単に括れるものではない。それは、人と見えないもの、身体と気配、現実と記憶が、まだ分断されていなかった場所へのアクセスの試みなのだ。作品の中では強い色彩と柔らかな線が共存し、祝祭性と静けさが同時に立ち上がる。懐かしくもあり、同時にとても現在的でもある。重要なのは、彼女が「不思議な世界」を描いているのではなく、僕たちが普段見落としている感覚「自然との距離」「他者との関係」「自分の内側に残っている原初的な記憶」を、絵画というフィルターを通して可視化しているという点だ。そこには説明的な物語はない。あるのは観る側の身体が反応する余白だ。この展示は、作品を鑑賞する場であると同時に、感覚をひらくための小さな装置でもある。合理性やスピードに慣れきった僕たちの中に、まだ残っているはずの曖昧で非効率で、でも確かに生きている部分。そこを静かに刺激する。宮間夕子個展「万物ノ命名式」 2026.3.4~4.7 https://www.instagram.com/yuko.miyama.357/ at +DA.YO.NE.GALLERY (阪急メンズ東京7F） https://www.instagram.com/plus_dayone_gallery/

2026/03/05に公開- 指定なし

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高校３年生の時のmightの作品を見て脳みそに電流走った。そんな彼女も今年大学を卒業する。そこでずっと個展やグループ展のキュレーションをやらしてもらっている。いろいろな体験を吸収して彼女の作品はどんなふうに変化しているのか？または変化していないのか？実物見て判断して欲しいと思います。推薦文書きました本展は、mightが一貫して描き続けてきた「青春の光」を、あらためて現在地から提示する個展である。近年のアートシーンにおいては、作家の内面に潜む葛藤や不安、あるいは社会の歪みを反映した表現が高く評価される傾向がある。確かに、人生を裏側や斜めから捉える視点は重要であり、同時代性を担保するひとつの方法でもある。しかしその一方で、人生を肯定し青春をまっすぐに描く視線は、どこか軽視されがちではないだろうか。 mightの作品に登場する少女たちは、世界をまだ疑いきっていない時間の中にいる。そこにある笑顔は記号的な「かわいさ」ではなく、信頼や期待に満ちた未だ傷つききっていない精神の状態を映し出している。彼女が描いているのは、単なる理想化された青春像ではない。失われやすい純情そのものを、現在に引き留めようとする意志である。心の闇を理解し受け止めることが社会の役割だとするならば、同時に、心の純粋さを守り続けることもまた、社会の責任のひとつであるはずだ。眩しさを描くことは、決して浅さではない。肯定することは、現実からの逃避ではない。 mightの描く青春は、いつまでも前向きだ。そのまっすぐさこそが、本展の核である。 might個展「Draw a line」 2026.3.5~3.15 at tHE GALLERY OMOTESANDO

2026/03/04に公開- 指定なし

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ぼく脳くんの個展が昨日から＋DA .YO.NE.（ラフォーレ原宿B0.5F愛と狂気のマーケット) で始まっています。この個展で彼とのからみは３回目になるんだけど、こんなことを考えた結果として今回があります。ぼく脳の活動は、一見すると「意味の不在」を楽しむナンセンスの連続に見える。ただ掃除をし続ける舞台や、食事をし続けるライブ。音をかけ忘れるDJに存在しないファスナーが描かれたパーカー。それらはすべて、既存の表現形式に対する「ズレ」の提示であり、僕たちが当然のように信じている表現とはこういうものだという前提を、静かに崩していく行為だ。彼は芸人とも、アーティストとも、パフォーマーとも呼ばれる。だが本質的にはそのどれでもなく、むしろジャンルそのものを大喜利的に解体し続ける存在だと言った方がいい。 SNSの中でカルト的に支持されながらも、決して「わかりやすいインフルエンサー」にはならない。ぼく脳は、現象にはなっても、記号にはならない。だからこそ、彼の活動はいつも掴めそうで掴めないまま、人の記憶の中に残り続ける。これで僕が彼の個展をキュレーションするのは3回目になる。これまでは彼のやりたいことを、そのまま空間に持ち込むことを優先してきた。だが今回は、あえて「ぼく脳くんの絵を見たい」というお題を付けさせてもらった。それは、長く彼を見てきた僕自身の欲望でもある。彼の中には、まだ市場に翻訳されていない美意識がある。ナンセンスの奥にある、純粋な“視覚”の力。ぼく脳のセンスを、もっとお金に変えたい。それは商業化ではなく、彼の思考を社会に接続するためのひとつの編集行為だと僕は思っている。今回の展示は、彼の「ズレ」ではなく、彼の「描くこと」そのものに触れるための試みである。ぼく脳の POP NOU展 2026.3.1~3.31 at +DA.YO.NE.(ラフォーレ原宿B0.5F愛と狂気のマーケット）

2026/03/02に公開ラフォーレ原宿日本東京都

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ハシジマコウスケ個展「PURUPURUPUNK」 2026.2.27~3.8 at tHE GALLERY HARAJUKU ●キュレーター米原康正より  AIがイメージを量産し、仮想現実が現実よりもリアルに感じられる時代になった。サイバーパンクがかつて予言として描いてきた世界は、もはや未来ではなく、日常の風景として僕らの前に広がっている。そんな今だからこそ、ハシジマコウスケの描くサイバーパンクは、以前にも増して切実だと思う。なぜなら彼は、アルゴリズムでもプロンプトでもなく、人間の頭で考え、身体を使い、ローテクな「描く」という行為によって、未来像を立ち上げているからだ。そこには効率も最適解もない。あるのは迷い、ためらい、手の跡、そして人間固有の感情の揺らぎだ。 AIがそれっぽい未来を即座に提示できる時代において、ハシジマの絵は、「人間が未来を想像するとはどういうことか」を改めて問い返してくる。彼のサイバーパンクは、テクノロジー礼賛でも、絶望の物語でもない。むしろ、便利さの向こう側で取りこぼされていく感情や関係性を、静かにすくい上げるための装置だと僕は感じている。 2026年。サイバーパンクは再び、物語としてではなく、人間の想像力を取り戻すための実践として必要になっている。ハシジマコウスケの作品は、そのことを、強い言葉ではなく、確かな線と時間で教えてくれる。

2026/02/27に公開- 指定なし

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泉谷しげるリハーサルという名の本番 at OVERGROUND FUKUOKA

2026/02/21に公開- 指定なし

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今日MARK BODEに tHE GALLERY OMOTESANDOの１階にある SALON KAKUでランチしてもらった。キュレーションの仕事してるALEXと NYからMARKの個展を見に来たアーティストKLASSも一緒だ。 SALON KAKUでは毎回アーティストの個展やる時、シェフ福田さんと、パティシエ村田さんが作品からのインスパイヤーされたメニューを作っている。今回はMARKの個展タイトルSUBWAYをテーマの3品。 MARK BODEをじっくりと味わってください salon kaku https://www.instagram.com/salonkaku/

2026/02/16に公開- 指定なし

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今日からANI個展始まりました。６時からいつものようにみんなで乾杯します。ひさびさによしよしの顔。。こんな感じで全員集合っ❣️ tHE GALLERY HARAJUKU https://www.instagram.com/the_gallery_harajuku?igsh=ZTZvbGVlcG5qd3Ju

2026/02/13に公開- 指定なし

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今日２時から原宿のXGIRL店で、 MARK BODEがライブペインティングやります。６時までやってます。 MARK BODE https://www.instagram.com/markbodeofficial?igsh=cDFhODE0bXJ2Nm0y

2026/02/11に公開- 指定なし

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幕張ワンダーフェスティバル 2026.2.10 thank you for @mind_infection @mind_infection_offcial @energie_gang

2026/02/08に公開- 指定なし

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WAKA SOLO EXHIBITION 「幻蒼」 2026.2.4~3.3 at +DA.YO.NE.GALLERY (阪急メンズ東京7階） WAKAくんの個展やります。推薦文です。 WAKAの作品には、美しさと同時に、はっきりとした緊張感が宿っている。それは装飾の巧みさや描写の精密さだけによるものではない。彼が描いているのは、「美」と「本能」がまだ切り分けられていない、もっと原初的な世界だからだ。羽根や花に覆われた狼、鋭い牙と開かれた口。そのモチーフは一見すると神話的で幻想的だが、そこにあるのは単なる夢想ではない。生きることに伴う暴力性、衝動、恐れといった要素を、WAKAは一切隠さず、むしろ精緻な装飾によって正面から可視化している。 WAKAにとって装飾とは、世界をやさしく包み込むためのものではない。それは、本能の鋭さを覆い隠すことなく、むしろ際立たせるための手段である。美しいからこそ目を逸らせない。繊細であるがゆえに、作品は強い。彼の描く存在は、守護と警告、祝福と試練を同時に差し出してくる。観る者はその前で、「癒されているのか、試されているのか」判断できないまま立ち尽くすだろう。その曖昧さこそが、WAKAの表現の強度であり、現代において極めて誠実な態度だと言える。 WAKAは、美しさの中に潜む野生を描く作家である。そしてその野生は、私たちが生きているこの世界の、もっとも正直な姿なのかもしれない。

2026/02/05に公開- 指定なし

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Ann O solo exhibition 「Baby not baby」 2026.2.1~2.28 at +DA.YO.NE, (ラフォーレ原宿B0.5F愛と狂気のマーケット）合法ロリ宣言。 ann Oの描く世界は、一見すると無垢で丸みを帯びた「ベイビー」のように受け取られることが多い。けれど彼女は決して赤ちゃんや幼児そのものを描いているわけではない。そこにあるのは、未完成で未熟な自分自身を、まるで抱きしめるように愛おしむ視線だ。丸いフォルムや柔らかな線は、幼さの記号ではなく、内側の不完全さを肯定するイメージの装置として立ち現れる。僕が彼女の作品に惹かれるのは、無邪気に見えるキャラクターたちが、実はそのすべてをわかって行動しているように感じられるからだ。性的なまなざしの可能性や誘惑の匂いをまとう身体でありながら、それを意識せずに、本能的に振る舞う姿。彼女の線が描き出すのは、無意識の誘惑と自己肯定の交差する瞬間だ。「baby not baby」というタイトルが示すように、この展示は「ベイビーでありながらベイビーではない」存在たちを通じて、自分の中にある未熟さや未完成さをまるごと抱きしめることを問う。裸足で踊るように、自分自身の世界を生きるという感覚。 ann Oの作品に向き合っていると、「無垢」や「成熟」といった単純な区分が、あまり意味を持たなくなってくる。彼女が描くのは、幼く見えながらも、自分がどう見られているかをどこかで知っている存在たちだ。それでも彼女たちは、期待される振る舞いや視線を気にすることなく、ただ自分の感覚のままに立ち、動き、そこにいる。この展示は、未熟であることを否定せず、そのままの自分を引き受けて生きることの強さへの頷きと共感である。ーー米原康正

2026/02/01に公開- 指定なし

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WORLDWIDE SKIPPA at WWW(shibuya)

2026/01/27に公開- 指定なし

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MIO YAMAGUCHI Solo Exhibition 「That Day」 2026.1.23〜2.1 at The Gallery Harajuku この絵に描かれてるストーリー完全じゃないけど、僕からの説明文書いてみました。ただギャラリー来て、直接アーティストから聞くこと絶対にお勧めです。 MIOの絵を見て、最初に感じたのは「説明される前に、もう分かってしまう感情」だった。彼女の描く骸骨や鳥は、決して記号として配置されているわけではない。そこには、彼女自身の時間が、記憶が、失われたまま置き去りにされていない感情が、静かに息をしている。幼い頃に亡くした父を骸骨として描き、そこに絡む鳥として自分自身を重ねる。この設定を知ると、彼女の作品から漂う懐かしさや、言葉にできない温度の正体が、すっと腑に落ちる。それは「死」を描いているから生まれる重さではない。むしろ、失われたからこそ続いてしまった時間を、どう生き続けているのかという問いが、画面の奥に確かに存在している。夢の中で再会する幼い自分と若き日の父。手を繋いで歩く、何でもない光景。 MIOの作品が強いのは、その「何でもなさ」を決してドラマにしすぎないところだ。モノクロームと穏やかな色彩は、感情を煽るためではなく、記憶が本来持っている静けさを、そのまま差し出している。この展示は、彼女にとっての初個展であり、ひとつの通過点でもある。しかし同時に、観る側にとっても、自分自身の「あの日」にそっと触れられる場所になるだろう。私的な記憶から始まった絵が、いつの間にか他者の記憶と重なっていく。その瞬間に立ち会えることこそ、この展示のいちばんの魅力だと思っている。

2026/01/25に公開- 指定なし

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昨日日曜日。このよのはると彼らが声をかけ集まった集団と一緒に、原宿の街を練り歩いた。歌いながら歩くその姿は、パフォーマンスというより、路上にふと現れた妖怪の行列のようだった。彼らは目的地があってもルール通りに向かって進まない。効率も、正解も、最短距離も無視して、街の気配に身体を預けながら歩く。その横を通り過ぎる人たちは、はじめ戸惑い、やがて立ち止まる。いつも無意識に選んでいた道、同じ速さ、同じ目線。このよのはるは、歌と声と身体で、その“当たり前”を一瞬だけ壊してしまう。彼らは路上に住みつく存在だ。観光でも、演出でもない。街に溶け込みながら、しかし確かに異物としてそこにいる。その異形さが、人々に「ここを歩いているのは誰か」「どう在りたいのか」を思い出させる。このよのはるは、街に現れるために生まれた妖怪だ。人の流れに飲み込まれる前の、ほんの一瞬、自分自身に立ち返る隙間をつくるための存在なのである。このよのはる at

2026/01/19に公開- 指定なし

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MARK BODE @markbodeofficial at @koan.shdw

2026/01/18に公開- 指定なし

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台風近づいてる日に取材しに彼女の家まで行って、遭難しかけたことああるw。吉田南ナ子個展「LOVER」 2025.12.25~2026.1.12 at tHE GALLERY HARAJUKU 僕からの推薦文です。吉田南ナ子は、SNSを主な発信の場に、デジタルとアナログ両方の制作を展開するクリエイターだ。 ThreadsやXでは、「宝石塗り」と呼ばれる独自の表現をはじめとしたドローイングやイラストレーションを紹介しており、可愛らしさと濃密な感性が一体となった作品群で注目を集めている。これまで彼女の表現はコピックなどで描かれたイラスト作品に象徴されてきたが、本展では前個展と同様にアクリル絵具という媒体を用い、キャンバスに描き出される物質としての絵画が中心となる。具体的には、子どもがお風呂で遊ぶラバーダックを写実的なタッチで描き、その身体性を持ったモチーフと、アニメ的な少女像が画面の中で重なり合う新作が並ぶ。キャンバスという物理的な支持体の上で絵具の質感と色彩の厚みが露わになり、これまでのデジタル表現とは異なるダイナミズムと生々しさが作品ごとに立ち上がる。テーマ「LOVER」に沿って展開する本展は、彼女自身の「好き」という感情を根底に、彼女の人生や記憶、親密さへの欲望を可視化する試みだ。可愛さとダークな気配、日常と記号が交差する画面構成は、アクリル絵具という素材の重層性によってこれまで以上に強く立ち現れる。見た者の距離感や視点によって変容する表層は、吉田の感性がフィジカルな絵画として結実した現在地点を示している。今回の個展は、デジタル発のヴィジュアル表現をベースにしながらも、しかもその良さを残しながらアクリル絵具とキャンバスという伝統的な絵画の実践を通して彼女の制作が前個展よりさらに新たな次元へと進化していることを強調した内容となっている。

2025/12/25に公開- 指定なし

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訳ありで地元熊本へ。気温23度。日差しは真夏。

2025/12/20に公開- 指定なし

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2025/12/16に公開- 指定なし

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今日は6時からどなたも参加できるオープニングのパーティ開催します FAZZ GUFF 個展「繋がり」 2025.12.12~12.21 at tHE GALLERY HARAJUKU 紹介文静けさの中に差し込む色彩がある。モノクロームの世界を切り裂くように現れるその色は、感情の奥底で誰かと誰かを結びつけようとする信号のように見える。 FAZZ GUFF の作品は、一見すると可愛らしくどこか無垢なキャラクターたちが主役だ。けれどその輪郭の内側には、悪魔的で毒を含んだ衝動が息づいている。「カワイイ」と「異形」、「愛着」と「拒絶」。そのあいだで揺れる感情の緊張が、彼女の絵の魅力をつくり出している。今回の作品では、かつての鮮やかな色彩を抑え、濃いグレイを基調にした静謐なトーンが画面を支配している。その中に差し込まれたわずかな色が、抑制された世界に呼吸を与え、感情の温度を伝えてくる。形と空間の間には、沈黙のような間（ま）が生まれ、そこに見る者の思考がゆっくりと染み込んでいく。私たちは、彼女の描くキャラクターと視線を交わそうとしても、しばしばそれは容易ではない。彼らはこちらに微笑みを向けるようでいて、どこか遠くを見つめている。いや目を閉じていたりもする。その距離感が、むしろこちらの感情を揺さぶり、触れたいのに届かない。そんな繋がりの不完全さを思い出させる。この「繋がり」と題された展覧会は、他者と自分、現実と想像、愛と恐れ、そのすべてを貫く見えない糸を、静かに、そして確かに描き出している。ーーーーーー米原康正

2025/12/12に公開- 指定なし

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