投稿日順 ライク数順 コメント数順 エンゲージメント率順写真動画複数枚｢#PR｣つき投稿「川崎市制一〇〇周年記念 斎藤文夫コレクション 名品展」（川崎浮世絵ギャラリー） 斎藤文夫氏は川崎市議会議員・参議院議員など、政治家として活動していた人物。現時点で6000点の浮世絵コレクションを持っており、ここ川崎浮世絵ギャラリーは氏のコレクションを借りる形で運営しております。今回は江戸中期の鈴木春信から明治の楊州周延まで、浮世絵（主に錦絵）の変遷を時代順に辿った内容。 個々の作品を観るのももちろん良いんですが、個人的には浮世絵史みたいな流れで観るのが楽しかったです。 最後に来る月岡芳年の凝りに凝った描き方を考えると、春信のそれはだいぶ素朴で簡素にすら見えますが、今の気分的にはむしろ春信の簡素さが快く映ったりもします（夏だから？）。喜多川歌麿の美人画はフォルムが細く極端に手足が長く、あたかも観音像のそれを連想させるもの。19世紀に入ってくると西洋絵画的・写実的な人体・風景の描き方というのが浮世絵にも出てくるのですが、春信・歌麿のような「それ以前」の作品も魅力的です。 もちろん言うまでもなく、「それ以後」の作品も素晴らしいです。たとえば初代歌川豊国の《六郷渡舟図》は二つの舟に乗る9人の女性の様子を描いた作品。三つのレイヤー（階層）にまとめられ、ごちゃつくことなく上手に整理されております。立体表現を身につけた浮世絵は奥行きを持ち、「それ以前」には無かった重量感、そして情報量を身につけていくようになります。 そこから幕末にかけては北斎、国貞（三代豊国）、広重、国芳… と、浮世絵展でもおなじみの定番ネームが続々と。 個人的には広重によるミミズクの絵が非常に可愛らしかったです。広重の動物画というと窓の外を観る白猫が有名ですが、同じぐらいミミズクも持ち上げられて良い気がしました。北斎は雲の位置がやたら低く、それが風景画の幻想性を醸しているのかもなと思いました。国芳はRPGゲームとしても十分通用しそうな、勇壮たる世界観が魅力的。前期展示だけでも雀の顔をした人々が集う遊郭、為朝の自害を止める天狗達…と、仮にゲームだったら中々のハイライトを見せてくれます（ちなみに後期展示ではおなじみの、巨大スケルトンとの戦いもあるみたいで…）。 小林清親はまだ言語化できてない部分もありますが、何を描かせてもカッコいいというか、堂々としたものを感じる画家。月岡芳年は素晴らしいのですが、数百年という浮世絵という技術が歴史的にピークを迎えた、一つの最終形みたいなものを改めて感じたりもしました。その一方で楊州周延の「あえて」な昔風の描き方は、明治時代特有のパステルカラーを魅力的に映えさせます。 膨大なコレクション数を背景に、自前のコレクションである程度体系立てた通史が見渡せるのはなかなか素晴らしいことだと思いました。その一方で500円という入場料設定、最短30-40分程度で見られるボリュームと、気楽にも観られる展覧会でもあります。開館時間が11時と少し遅めなので、その点ご注意を（多少早く来ても、上の階にある図書館で時間は潰せます）。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #浮世絵 #ukiyoe2024/07/20に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#浮世絵#ukiyoe3.02%410「ザ・キャビンカンパニー大絵本美術展 童堂賛歌」（平塚市美術館） ザ・キャビンカンパニーは阿部健太朗と吉岡紗希の二人による絵本作家・美術家のユニット。Eテレの子供番組、ポケモンとのコラボレーション、こどもの読書週間ポスターなどといったコラボレーションも多く、名前を知らずとも、ひょっとしたら彼らの作品にお目にかかっているかも知れません（私はポスターを観たことがありました）。 非常にプリミティブで、力強いパワーに満ち満ちた作品。既に色が塗られた画面に型紙を貼り、新たな色を重ねるという手法も面白いです。最初はクセのある絵柄にたじろいでもいたのですが、慣れてくればくるほどむしろのめり込んでいきました。 その一方で「ボンボとヤージュを描いていた頃」と題されたキャプションでは、東日本大震災の直後、大学の教授にすら「こんな時に芸術は無力だ」と突き放され、そんな暗いなかでも二人が「無力」呼ばわりされた芸術に取り組んできたことが綴られております。少しばかり引用を… ＜漠然とした不安に飲み込まれないよう、私達は作り続けた。膨大な数の絵と段ボールの立体作品。どれも只々馬鹿らしく、無意味であった。しかし、それらは強烈に平和的だった。＞ そういう部分が作品に直接的に現れているわけではないですが、笑顔のような芸術の内に秘めた、熱い気持ちを感じました。 展覧会終盤では、彼らがアトリエに使用している廃校にあった素材を使ったインスタレーションも。少し前に観たシアスター・ゲイツとも重なる手法ですが、そのままでは消えてしまう一つの歴史がモニュメンタルな「作品」として再構成され、復活したような感があります。 本作ではディスプレイの下に置かれた「踏み絵」の存在が印象的でした。レプリカだそうで、学芸員さんによると大分にも隠れキリシタンの文化があり、小学校の教育教材として使われていたものではないかとのこと。少なくとも自分が通った神奈川の小中高では観たことが無かったので、この存在は非常に新鮮でした。 描く作家を救い、観る鑑賞者を救い、埋もれかけた（しかし地域にとって大切な）歴史を救い… 「無力」なんかでは決してない芸術が観られる展覧会でした。正直言うと、「よく知らないから」という理由で一旦パスしかけた自分が恥ずかしい。 本展は夏休み中は平塚市美術館、その後、足利市美術館、千葉市美術館、大分市美術館を巡回予定とのこと。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #ザキャビンカンパニー #絵本2024/07/11に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#ザキャビンカンパニー#絵本4.86%660「三島喜美代 未来への記憶」（練馬区立美術館） 私が始めて三島さんの作品を観たのは2021年、六本木・森美術館のグループ展。割と政治的なものにも傾きやすいテーマの展覧会で、作品はおろかインタビュー映像も力んだもの、気取ったものが多いなか、大阪のおばちゃん全開の自然体で語る三島さんの姿はひときわ印象的でした（ちなみに十三だそうです）。 缶や新聞・チラシなどの「ゴミ」を題材に陶器を作るという作品アイデアも新鮮で、ほどなくしてART FACTORY城南島に常設展示されている《20世紀の記憶》を観に行きました。以来、行ける展覧会は努めて行くようにしている芸術家です。 今回はそんな三島さんのデビュー当時から現在に至るまでの回顧展。最初は油彩から始まって、抽象画や身の回りのモノを使ったコラージュ、そして彼女の代名詞とも言える陶でつくった「ゴミ」の作品、そして溶融スラグ（焼却灰をさらに加熱・溶融することによって生まれるガラス状の物質）や車輪や時計など、本当のゴミを使った作品（一種のレディメイド回帰）と、一通りの作品が展示されております。 作品には「情報社会に対する不安の可視化」というようなコンセプトはあるものの、三島さんはそれを声高に語るようなことはしません。陶土の有限性を知って溶融スラグを使うなど、決して何も考えていないわけでもないと思いますが、本人としてはもっと純粋に、作品制作を楽しんで取り組んでいるように見えます。他の芸術家の名前を出すのはあれですが、「思いっきり遊ぶ」ことを第一に考える三島さんの姿は、往年のデュシャンと重なるところもあります。 こういう作品を観て、これは情報社会が… 環境問題が… と、眉をしかめて考えるのも一つの鑑賞ですが、三島さんが楽しんで作品制作をされている以上、こちらもまずは楽しんで作品鑑賞をしたいなと思いました。コンセプトについてはそこからあとでも良いというか。 中でも今回貴重だと思ったのは、三島さんの作品（空き缶を陶で模したもの）が実際に手で触れられること。ちなみにネットで調べると一般的なアルミ缶の重さは15〜19グラムほど。単三電池1個ぐらいの重さですが、三島さんの作品を持ち上げてみると、それが厚手の、少し大きな湯呑みのような重量感があります（100グラムはあるんでしょうか）。観るだけではわからなかった、「情報」が実態をもって現れるとはなるほど、こういうことかと。 展示室を1室フルに使っての《20世紀の記憶》も圧巻。インスタレーションがあまりにも大きすぎて、作品を一方面から観られないというのは少し残念でしたが（是非とも城南島へ…！）、やはりこれも、時代に対する不安と同時かそれ以上に「楽しみ」がやってくる作品。実家から送られてきた古新聞を楽しむような感覚で楽しんでほしい作品です（そう言えば、新聞の中に近藤真彦がいましたね）。 ・ ご存知の通り三島さんは先月19日に死去（享年91）。これが生前最後の展覧会ということになってしまいました。27日の朝にそのニュースを聞いたときはがっくりしてしまったんですが、今日観た、昨年岐阜で開催された展覧会用に撮影されたインタビュー映像で、若いアーティストたちに向けて、 「がんばってくださいね」 「面白いなと思ったら（理由をつけて引っ込めるんじゃなく）やってみてください」 と仰っていたことに、（別にアーティストでもない私ですが）妙に励まされてもいました。この一言をいただけただけでも、練馬まで来た甲斐があるというものです。 無邪気に作品と戯れているようでいて、実は三島さんの芸術にこそ多くのこと、そして大切なことを学んでいるような気もします。本当に、新作が出てこないということは寂しくもあるんですが… なんとか今回の展覧会に間に合って良かったです。 とりあえずはまた、新しい三島さん関連の展覧会が開催されることを心待ちにしたいと思います。そしてひとまず、ありがとうございました。 #Japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #現代芸術 #contemporaryart #popart #三島喜美代 #KimiyoMishima2024/07/03に公開#Japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#現代芸術#contemporaryart#popart#三島喜美代#KimiyoMishima6.77%911「歌川国貞（三代豊国）の役者見立東海道 歌舞伎役者の面影」（藤沢市藤澤浮世絵館） 美人画で知られる初代歌川国貞が三代豊国となってから制作された「東海道五十三次之内」（1852-53）、通称「役者見立東海道」。背景に東海道の風景があしらわれた役者絵のシリーズです。 当時の人気は相当高かったようで、「その二」という形で同じ宿場町を題材に描かれたり、「間（あい）の宿」と呼ばれる、宿場間にある休憩所を題材にした作品を制作していたりもし、最終的な総数は130点と、東海道の揃い物としてはかなりの大部となりました。 本作においては豊国はあまり個性を出している感じではなく、あくまでも「職人」としての仕事に専念。だからこそというか、工芸のように描きこまれた線描の安定感、空摺などの細やかなテクニックが素晴らしいです。また、背景には広重の描いた風景画が一部採用されているのですが、豊国の人物と組み合わさったとき、その立体感溢れる遠近表現というのも出色。これに関してはすぐ気づくというものではなく、見ているうちにだんだんと浮かび上がるイメージです。 今回の作品に関しては、「誰が描いたか」だけではなく、「（歌舞伎役者の）誰を描いているか」という視点があるとより楽しめるのかなとと思いました。もちろん現代に生きる私たちは彼らの顔を知っているわけではないのですが、この時に豊国の、職人に徹した表現が「こういう顔だったんだろうな」という信頼感をもたらしてくるのかなと。 個人的には女形として人気を博した初代坂東志うか（読みは「しゅうか」、没後に五代目坂東三津五郎を追贈される）に興味を持ちました（1-3）。心中もののヒロインなど、シビアな役柄が多い割と画面からは強い悲壮感は感じさせず、むしろコミカル。今の俳優さんで言うと仲里依紗さんやファーストサマーウイカさんのような、コミカルもシリアスもこなす雰囲気を感じさせる役者さんなのかなと（勝手ながら）思いました。 作品の展示数も今回は89点と多めで（普段は確か70点ぐらい）、たくさんの作品を見ているうちにこちらの「眼」も開いてくるような感じがありました。作者ではなく役者を見るという方法は今までやったことがなく、江戸時代の人たちがやっていたであろう鑑賞に、より近づくことができたのかなと。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #浮世絵 #ukiyoe #歌川国貞 #kunisada2024/06/29に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#浮世絵#ukiyoe#歌川国貞#kunisada4.71%640「アルフォンス・ミュシャ展 アール・ヌーヴォーの美しきミューズ」（茅ヶ崎市美術館） 1894年、オペラ『ジスモンダ』のヒットを受け追加公演が決定、主演女優のサラ・ベルナールが新しいポスター制作を印刷所に依頼したのは同年12月24日のこと。しかし常連のアーティスト達は休暇中、「1月1日〆切」という急な依頼に唯一対応できたのが、たまたま印刷所で校正をしていたというミュシャでした。ミュシャは挿絵画家としてサラを描いていたこともあり、ポスター制作の依頼を引き受けることに。 そして、1月1日、ミュシャがデザインした『ジスモンダ』(2)のポスターは無事に完成。パリのモリス・コラム（歩道に設置される広告塔）に掲示されると、持ち去り被害が発生するなど、かなりの騒ぎとなったようです。これを見たサラは商魂たくましくポスターを追加印刷し販売、ミュシャとは6年の専属契約を結び、ミュシャは彼女の主演舞台のポスターを手がけていくこととなります。 教育・経済的に恵まれていたとはいえない、一介の挿絵画家でしかなかったミュシャが「アール・ヌーヴォーの旗手」として大きな飛躍を遂げた瞬間です。 今回の展覧会はミュシャ自身の直筆はなく、もちろん〈スラブ叙事詩〉のような大作はさすがに無いのですが（そもそもチェコから出て来ないんじゃないかと…）、それ以外のものは一通り揃っているのではないでしょうか。作品の保存状態が非常に良いのも好感が持てました。 『ジスモンダ』に関して言えば、主演女優ベルナールの表情はもちろん、衣服、蘭の頭飾りや手に持つヤシの枝、ビザンティン様式のモザイクタイル…そういったものの細部が緻密に描かれていて、それらがアラビア数字の「２」のような曲線的な構図で綺麗にまとめられていると思いました。〆切に間に合わず一部空白となったからこそ、その構図はむしろ明確。 この「２」構図は後に制作された、『モナコ・モンテ・カルロ』(1)のポスターなどにも反映されていたりします。この他にも挿絵画家時代の作品、アール・ヌーヴォーの後進に影響を与えたと観られる図案集『装飾資料集』『装飾人物集』、そしてチェコに帰国後の諸作品も素晴らしいです。特に『装飾資料集』、人がいなかったとしても作品として成立してしまいそうなのが恐ろしいところ(7)。 イラストと絵画の中間を行く、ミュシャ芸術の魅力を改めて味わってまいりました。自身は大衆のための絵描きを自認されていたそうですが、構図の美しさと描写の緻密さで鑑賞者を導く直感性、しかし大衆向けだからと言って卑俗に陥らず、むしろ高みに連れて行ってくれるような気高さ。 人気芸術家で印刷物ということもあり展覧会の開催機会も多く、私自身4-5回目のミュシャ展ですが、飽きるどころか、むしろ新しい目を開かされる展覧会でした。 個人的には手術入院を一度挟み、およそ一ヶ月半ぶりの美術館、実家以上に「ただいま」感のある美術展でした。トラブルらしいトラブルも無く、これを書くまでのワンセットを無事完遂できたことがちょっとだけ誇らしい。 もう一度手術もありますし、以前のようにバンバン… というのはまだまだ先にはなるかと思いますが、それでもなんとか、また美術館に帰ってくることができたらと。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #ミュシャ #mucha2024/06/25に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#ミュシャ#mucha9.12%1240「シアスター・ゲイツ展：アフロ民藝」（森美術館） 陶芸・宗教・都市計画など、多岐にわたるバックボーンを持つ黒人芸術家シアスター・ゲイツ。特に陶芸に関しては日本の愛知県常滑市に1年間留学しており、現在も関わりを持ち続けております。いっぽうTEDのプレゼンテーション動画では、廃墟となった住宅（リーマンショックでしょうか…？）を地域コミュニティの拠点として再生している様が紹介されていたりもしており、その活動内容は非常に多彩。展覧会も陶芸のみならず、廃材を用いたペインティングやレディメイド、パフォーマンス、膨大な図書のコレクションなど、より総合的なものとなっております。特に最初の展示会場では、香木、そしてハモンドオルガンがそれぞれ使用された作品が展示されており、線香のような香りと低音Eフラットの音響で会場が満たされております。観る側としても目・耳・鼻と、より全身的な感覚で鑑賞することが求められているように思いました。 観てもらいたい作品は山程ありますが…個人的にはとにかく中盤の映像作品、《避け所と殉教者の日々は遥か昔のこと》と《嗚呼、風よ》を観て欲しい。前者は取り壊される直前、廃墟となった教会内にて、ゲイツ率いるバンド「ザ・ブラック・モンクス」がその教会のために行った音楽パフォーマンス、後者はやはり廃墟らしき建物内で行われる独唱です。特に前者は歌とコントラバス、そして壊れたドアを起こしては倒すことによってリズムを取る、少々変わった演奏手法が採られています。 ダンスのようにドアの周辺を回り、時には大振りに、時には小刻みに持ち上げられ、粉塵を上げながら倒れていくドア、そしてコントラバスの演奏とボーカル… それを耳で聴き、目で観ているはずなのに、心としては「大地」を、靴の裏を揺さぶられるような衝撃でした。なんと力強いパフォーマンスだろうかと。もう一つの独唱も同じことです。 時間にして合計26分、せっかちに通り過ぎる人もいたようですが、もし訪れたら、是非ともで観ていただきたい映像作品でした。 芸術としての深さ、エンターテイメントとしての楽しさ、歴史を称える「儀式」としての厳粛さ、内々にではなく観る側に訴えかけてくる力強さ…芸術展を観る様々な種類の楽しみが、見事に一つの展覧会に溶け合っている、素晴らしい展覧会だと思います。展覧会のタイトルにもなっている「アフロ民藝」というパワーワードがどうにも印象的ですが（笑）、かといって彼のアプローチを「黒人文化＋民藝」というように、そう単純に括れるとも思わなかったです。そこにあるのはそんなヤワなカテゴライズを遥かに上回る、現役トップクラスの芸術家による、最上級の芸術展でした。 個人的には入院直前（これを観た数日後に入院）だったこともあり、なにを観るかは正直迷ったんですが、この展覧会で間違いなく良かったです。あと、入院準備で感想を書く余裕がなく、手術からの回復に想定よりもかかっていたりもしましたが、なんとか記憶があやふやになりきる前に書けました。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #TheasterGates #シアスター・ゲイツ #アフロ民藝 #contemporaryart #森美術館2024/05/30に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#TheasterGates#シアスター#アフロ民藝#contemporaryart#森美術館9.05%1230「女子美術REUNION」（松坂屋上野店 美術画廊） 女子美術大学出身者によるグループ展。上野店とは言いますが、最寄り駅は御徒町でございます（上野公園からは徒歩10分強といったところ）。 どうやら自分は海が好きなようで、その意味でも中嶋彩乃さんの描く海が良いなと思いました。以前から軍艦や波といった、海にまつわる題材をひたすら描かれている方で、特に澄んだ空気感であったり、青い海をたゆたう白い波の「生きた」塩梅であったりが気に入っております。朝方だったり昼間だったり、時間の見える光の加減も素晴らしいと思いました。 私が以前、ライブハウスに出入りした頃に面識のあった「藍」さんも今回出品。こういった出品を続けつつ、ライブハウス界隈でフライヤー等の制作、グッズ販売なども手がけている方でもあります。個人的に彼女の作品を観たのは久しぶりだったのですが、毒々しい色彩感覚はそのままに、以前観た時以上に表現としてはよりポップなものになっているのが印象的でした。私より先に訪れたスーツ姿のグループが彼女の作品を褒めていたりもして、より広く親しまれていく感じは良いなぁと思ってました。 この展覧会で初めて知った方としては清水レイさんを。鉛筆、水彩、クレヨンを用いたラフなドローイングなんですが、同様の作品と何かが違う、妙に惹かれる感覚が。ぐしゃぐしゃに見える鉛筆の中に浮かぶ人間の表情が印象的です。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #女子美術reunion2024/05/04に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#女子美術reunion6.84%912「デ・キリコ展」（東京都美術館） 一般的に「絵画」というと、たとえば人物や池、リンゴというように、現実にある何かしらの「もの」が描かれていた／いるもの。それが20世紀に入り、キュビスムや抽象絵画が登場すると、その「常識」が少なからず揺さぶられるわけですが…同時代を生きたデ・キリコの描く「形而上絵画」の場合、石像、マヌカン（マネキン）、どこかしらの路上、室内という風に、描かれているものはいちおう現実に存在するもの。 しかし問題はその描かれ方です。たとえば自画像であれば笑わせる風でもなく闘牛士の格好をしてみたり、静物画の右上に自画像の額縁を「ワイプ」のように置いてみたり…室内画でも通常ありえない現象・事物が描かれたり（デペイズマンと言ったりします）、そのモノも縮尺・バランスがおかしかったり。モノだけでなくそれが置かれている空間も歪んでいて、その不自然さは観る側の心をざわつかせてくれます。違和感・不安・憂愁…表現の仕方は様々ありますが、それはより普遍的な、時代の感覚を言い当てているようにも思いました（ニーチェやショーペンハウエルの影響というのも納得です）。 個人的な感覚としては、現実というよりは現実の再構成、夜に見る、でたらめな世界観の夢を見ているようでもあります。形而上絵画を離れ、古典主義に傾倒した時期もありますが、それでさえ現実の古典作品とは別物、過去をなぞりつつもデ・キリコ流の解釈・再構成を感じます。 彼の「形而上絵画」の後に続くシュルレアリスムと同様、画面からはデ・キリコの本音、感情といったものが見えにくいところは正直あります。ただ、第一次世界大戦を受けて大理石像に代え、より無機質なマヌカンを描き始めるなど、時代と無関係に描いていたとは言えない側面もある様子。 戦後（デ・キリコにとっては晩年）、彼は「新形而上絵画」として再び初期の画風に戻っていくのですが、輪郭線がマジックで描いたかのように明確になり、色合いも彼なりに明るくなったように感じられたのも印象的でした。 明るい部類の展覧会ではないかも知れないのに、じっくり観たあとで妙な満足感も残る、不思議な展覧会でした。テーマ別で観たあと、展示作品を西暦順にソートし直したくなったり、いろいろな形で作品群に触れたくなる作品群です。 余談ですが、展示の中盤で集中的に展示される彫刻などを観ると、（絵画とは違う）的確な人体の縮尺にちょっと癒やされたりもします。そういった休憩（？）ゾーンを挟みつつ、ご自由に楽しんでいただければ。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #DeChirico #デ・キリコ展 #東京都美術館 #contemporaryart #現代芸術2024/05/03に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#DeChirico#デ#東京都美術館#contemporaryart#現代芸術17.51%2362東京国立博物館といえば埴輪、ということで、こないだ考古展示室で撮影してきたやつを。 最後の２つの埴輪がよくわからなかったんですが、調べてみると右の埴輪は矢をしまう筒「靫（ゆき）」を、左は団扇の原型で、従者が貴人を仰ぐときに使う「翳（さしば）」をモチーフにしたもの。とくに翳は中国から伝来したばかりで、送風はもちろん、貴人たちの神秘性を示す「威儀具」としても用いられていたようです。2024/04/28に公開7.58%1021「法然と極楽浄土」（東京国立博物館） 法然は平安末期から鎌倉初期にかけて活動した浄土宗の開祖。ざっくり言えば「南無阿弥陀仏」と念仏を唱え続けることで、極楽浄土に往生できると法然は説きました。密教などと比べると簡略化された印象もありますが（弟子の中にも、都合良く拡大解釈する向きもあったようです）、その背景には末法の世の中、そしてより多くの人々を救いたいと考えた法然の考え方があります。 ちなみに法然は地方武家の子で、夜襲により父を亡くしているのですが、それでも父は「敵を恨むな」と告げたとのこと。親子二代にわたる慈悲深さが窺えます。詳しいことは平成館入って右にある解説VTRの上映がありますので、こちらを先に視聴してから展示室に入っても良いかも。 芸術面で言うと、権威主義的なものを好まない法然自身は造寺造仏には消極的だったようです。しかし制作自体を禁止していたわけではなく、法然以降からは芸術的と言える文化が形成されていくこととなります。 ただ、個人的には重文〈法然上人絵伝〉の、肩肘を貼らない、あえて言うなら俗っぽい描かれ方に浄土宗の原点らしさを感じていました。特に江戸期以降の格調高い表現もそれはそれでなのですが、「らしさ」で考えるとやはりこっちかなと。 その他、対角線構図の勢いの良さが印象的な「早来迎」も注目。絵画史全体を踏まえてもここまでのスピード感を求めた絵画ってあまり無いのかなと。その他、黒の部分に毛髪を用いた「南無阿弥陀仏」刺繍、徳川家康によって大量に書かれた「南無阿弥陀仏」など、個人的に興味深いものもありました。 記名の作家ですと後半に登場した明誉古礀《贈円光大師号絵詞》の味が個人的にも好み。一方で狩野一信の〈五百羅漢〉はわかりやすく奇想といった趣です。 仏教の一つである浄土宗に向き合えたという意味で、貴重な機会でした。最初に書いたような前提部分はどうしても必要だと思いますが、それさえ知っておけば楽しめる部類でもあるかと。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #博物館巡り #法然 #浄土宗 #仏教美術2024/04/26に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#博物館巡り#法然#浄土宗#仏教美術6.4%870李晶玉個展「アナロジー：三つのくにづくりについて」（N&A Art SITE） 昨年川越で開催していた「神話#2」（NANAWATA）の延長とのこと。私がコロナ感染したりして、「神話#2」の展示を観ていなくて色々アレですが、日本・韓国・北朝鮮にまつわる建国神話を取り扱った内容だったかと伺っております。今回もその時の作品が展示されている様子。 一つの国につき、併置されるのは三つの作品。日本を例にとると、最初に展示されるのは鉛筆画による天岩戸。次に、少し大きめのカンバスに国に因んだ女性の全身像（モデルは作者自身）が描かれ、背景は先ほどの天岩戸を拡大・彩色、人物だけをくりぬく形で貼り付けられます。最後に、人物の形にくりぬかれた背景が細い額縁に飾られます。 踏み込んだ題材選択、非常に精緻な作画、そしてその枠組みの中に込められた最小限の彩色は以前と変わらず。今回は三つの作品が制作上の時系列的な関係性を持つ、一種の物語的な印象を受けました。特に3点目は半分2点目の副産物、作家によっては捨ててしまうかもしれないものですが、人物の形に切りぬかれた背景は影のような印象を感じます。 青い画面、さらにはホワイトキューブなギャラリーも相俟ってか、冷水に顔を埋めたかのような緊張感が心地いいです。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #李晶玉 #RiJongOk #ContemporaryArt2024/04/17に公開#2#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#李晶玉#RiJongOk#ContemporaryArt5.81%790「ライトアップ木島櫻谷」（泉屋博古館東京） 三つあるうちの、最初の展示室1がとにかく美しい。 そこには5点ほどの屏風と水墨画掛軸（今尾景年《深山懸瀑図》）、写真撮影に関するパネル、あとはベンチが2つあるのみですが、そのベンチに座って、この後の作品や予定も一旦かなぐり捨て、腰を据えて長居したくなるような雰囲気があります。強いて言うならベンチをもう少し入口近くに置き、5点の屏風を眼中に収められる位置にしてほしかったぐらい、完成度の高い展示室でした。 そんな感じでベンチに座ってぼんやり眺めているだけでも十分楽しいのですが、作品単体で観てももちろん素敵。特に屏風って構造的に奥の絵と手前の絵が混在しているのですが（伝わってるでしょうか…）、鑑賞時にそれを意識するのは櫻谷の時だけ。展示室3にある《獅子虎図屏風》（1904）では、奥で眠る虎と手前で四本足で立つ獅子という対比を感じます。また、光琳のオマージュでもある《燕子花図》（1917）ではその立体性と写実性の組み合わせで、実物の花壇が現前したかのよう。ディティールも素晴らしく、厚塗りなどで湿雪や花弁を立体感たっぷりに表現されているのも見事です。 今回は解説パネルも親切でした。 京都画壇をざっくり分けると、円山応挙をルーツとする円山派と、呉春をルーツとする四条派とに別れていて、円山派は線を増やすことでより実態に肉薄した表現を目指すのに対し、四条派はむしろ線を減らし、その制約下で写実表現を目指すというもの。次のように分類できると思います。 円山派…加筆→線による表現 四条派…減筆→面による表現 これは京都画壇に限らず、芸術鑑賞全般で応用できるポイントだと思いました。「この作品は線？それとも面？」を考えることは一つのヒントになるような気がいたします。 つくづく面白い画家です。「良い展覧会だったなぁ…」と今でも振り返るぐらい良かったんですが、惜しいのは今回分の図録が無いこと。また機会があれば、是非ともで訪れたい展覧会です。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #木島櫻谷 #木島桜谷 #japaneseart #日本画2024/04/15に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#木島櫻谷#木島桜谷#japaneseart#日本画12.44%1690「浮世絵の別嬪さん - 歌麿、北斎が描いた春画とともに」（大倉集古館） タイトルにはありませんが、今回は肉筆オンリーの展覧会。個人的に版画のほうはたくさん観る機会があるのですが、肉筆のみの展覧会というのは地味に初めてかもしれません。春画の展示は3フロアあるうちの、地下1階のみ。中学生以下（入場無料）は地下1階コーナーの鑑賞はご遠慮を、ということでしたが、春画無しでも十二分に楽しめる展覧会です。 通常の浮世絵（多色多摺の錦絵）は版元が企画を立案し、それをもとに絵師が絵を書き、彫師がそれを彫り、摺師がプリントをして完成するもの。それはそれで素晴らしいのですが、真筆という点においては、印刷の過程においてフィルターが発生していることを考慮する必要があります。肉筆であれば当然そのフィルターが無く、より作者の意図に接近することが可能というわけです。 絵師それぞれに個性があるのは知ってましたが、肉筆ですとそれがよりよくわかるような気がいたしました。 順不同ですが、高い安定感を誇る歌川豊国、風景では圧倒的なおおらかさを見せるのに対し、人物画では漫画のようなコミカルさを見せる歌川広重。葛飾北斎は美人画においても堂々とした立ち振る舞いが際立ちますが、その師匠にあたる勝川春章は程よく力の抜けた、脱力した絵の塩梅が魅力的です。鳥文斎栄之の美人画がやや浮世離れした雰囲気を漂わせているのに対し、喜多川歌麿はもう少し地に足をつけた感じ。画面全体に薄墨を貼るなど、そもそもの描き方で個性を発揮する歌川国芳…。 個人的には、菱川師宣の魅力を肉筆でこそ気づけたような気がしました。言葉で説明しづらいですが、擬音で言えばデンとしていない、テンとした感じが魅力的。あと、歌川派の祖である歌川豊春《納涼三美人図》も素晴らしく良かったなぁと。港の背景といい女性3人の足元にいる猫といい、今で言うと横浜山下公園に来ました的な、楽しげな生活というものが垣間見えます。 割と知名度のある絵師が登場する2階フロアが面白く、何度も周回してしまうほどでした。浮世絵好きには特に楽しめる展覧会かなあと。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #浮世絵 #ukiyoe #大倉集古館2024/04/13に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#浮世絵#ukiyoe#大倉集古館8.17%1110「ここは未来のアーティストが眠る場所となりえてきたか？」（国立西洋美術館） 西洋美術館にとって初めてとなる現代芸術展。しかし、西美の礎となる「松方コレクション」を収集した松方幸次郎はそもそも、若い芸術家達に"本物"の芸術を見せてあげようと意図したと言われております。その"本物"の芸術に触れた芸術家たちは果たして西洋の名作と比肩する作品をものにできているのか、今回の開催はむしろ自然な流れと言えるのかも知れません。 今回の展覧会はアーティゾンの行う「ジャム・セッション」と同様に、西洋美術館のコレクションを活用しつつ、現代芸術家たちの作品がコラボレートを行うもの。 そのアプローチは様々ですが、個人的には小田原のどかさんのインスタレーション(3,4)には驚かされました。常設展のエントランスでおなじみのロダン《青銅時代》や《考える人》を免震台から取り外し、横倒しにするというもの。最初このビジュアルを見たときは何事かと思いましたが、地震によって倒壊した上野大仏の写真を見て、何がしたいかはなんとなくわかりました。またアメリカではある奴隷商人の銅像がスプレーで落書きされ、引き倒された状態のまま博物館展示されているとのことで、差別の問題についても提起されているようです。小田原さん自身の作品としては、赤い五輪塔が制作されておりました。歴史的にも、地震によって崩れてもまた積み重ねられる「作品」のあり方というのは興味深かったです。 個人的には石巻市にある門脇小学校校舎を思い出していました。あれは「残り時間」に急かされる形で部分保存（全体の1/3を解体）となった震災遺構だったんですが、崩れてもまた積み上がる五輪塔、将来復元されることはあっても完全な意味で戻ることはないだろう門小校舎…大学時代、卒レポで門小校舎を取り扱った際に感じた「やるせなさ」がフラッシュバックしてきております。 もう一つ、印象に残ったのは弓指寛治さんの膨大な作品群の中にあった〈物語るテーブルランナー in 山谷〉(1,2)。そもそもは鴻池朋子さんが始めたプロジェクトで、個人的体験を語る「語り手」、それをもとに下絵を描く「描き手」（弓指さんが担当）、そして手芸を行う「縫い手」の三者の協働によってイラスト風のテーブルランナー制作を制作するというもの。しかし山谷では「縫い手」が見つからず、珠洲市の方々に一度依頼したものの能登地震の影響で断念、秋田の方々が代わって引き受けたという経緯があります。 3-4年前に鴻池朋子展があったときに特に好きだった作品だったこともあり、思わぬ「再会」に不意を突かれてしまいました。そこにあるだけでも妙に心が温まってしまう、優しい作品でした。 竹村京さんによる、個人的な好きな作品であるモネ《睡蓮、柳の反映》（1917）を紗幕で「修復」した作品も面白かったです(5)。あの破損にこそ作品の、そして西洋美術館としても重大な歴史があって、それに"直接"は干渉せず、鑑賞者の想像力に委ねる形での「修復」というのが印象的でした。常設展に置かれると割と通り過ぎられる方の多い《睡蓮、柳の反映》ですが、私が来た際は写真を撮られている方が多かったように思いました。 その他、気になった作品で言うと布施琳太郎さん（6,来場者が影の自撮りをしているのを見てて、映像芸術というより、「光の芸術」という印象でした）、小沢剛さん（7,藤田嗣治がもしパリではなくバリに行ったら…という映像・絵画作品）、内藤礼さん（8,白いキャンバスとセザンヌ…に見せて、実はキャンバスにほーんのわずかに色彩が乗っているという、かなりトリッキーな作品）あたり。 松方幸次郎の構想した「共楽美術館」と現在の西洋美術館を同等に扱えるのか、その点は正直疑問が残ります（結果が同じでも、それに至る過程の違いが引っかかります）。しかし、松方の理念を引き継ぐ形での現代芸術とのコラボレーションは今後も行われて良いと思いました。情報過多なところなど、近代以前の作品を展示する西洋美術館で現代芸術を展示する勝手の違いも感じたのですが、そういうのも定期的な開催を通じて改善されていくのかなと。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #小田原のどか #弓指寛治 #竹村京 #布施琳太郎 #小沢剛 #内藤礼 #梅津庸一 #現代芸術 #contemporaryart2024/04/05に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#小田原のどか#弓指寛治#竹村京#布施琳太郎#小沢剛#内藤礼#梅津庸一#現代芸術#contemporaryart6.92%940「ブランクーシ 本質を象る」（アーティゾン美術館） 思えば私が美術のことを勉強し始めた時、そのときに初めて知った名前の一つが今回のブランクーシ。いわゆる抽象彫刻ということもあり、手がかりの乏しさを感じる人もいるかもしれません。 写実彫刻をやっていた頃はロダンに傾倒し、そのロダンに激賞されるほどの腕前だったそうですが、「大木の下ではなにも育たない」と言い、ロダンの影響下を離れ、独自の道を歩むことになります。それは単純なフォルムかつ、石や金属といった素材との調和を目指したもの。石の彫刻はごつごつと、金属の彫刻はつるつると流麗に仕上げます。 ただし、目指したのは単純な「単純化」ではないということ。文献にGoogleレンズをかざすと「単純さは芸術のゴールではない、しかし、本質に近づくことで、知らず知らずのうちに単純な表現を達成する」という趣旨の記述が出てきます。だからなのか、ブランクーシの金属彫刻の、裏面などをよく見るとザラザラした部分も残っていて、そこに"工業製品"で終わらない魅力を感じました。アーティゾンではおなじみの《接吻》も良い感じ。 また、ブランクーシは「作品」としての写真を多数残しております。単なる彫刻作品の資料用ではなく、写真作品としての再解釈を加えたもので、こちらもなかなか乙だなと思いました。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #abstractart #抽象芸術 #ブランクーシ #Brancusi #sculpture #彫刻2024/04/04に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#abstractart#抽象芸術#ブランクーシ#Brancusi#sculpture#彫刻11.04%1500「フランシス真悟 - 色と空間を冒険する」（茅ヶ崎市美術館） アメリカ、そして鎌倉をメインに活動を続けるフランシス真悟の、国内初の大型回顧展。 画面の形こそマレーヴィチ等を連想する抽象絵画ですが、たとえば〈Infinite Space〉(1,2)の場合、カンバスの隅に重ね塗りの形跡が残っています。よく見るとメインの画面も丁寧に塗り重ねられたハケの後が残っており、まるで夜明けのさざ波を眺めているかのような気分。画面上下にある塗り残しはまるで波打ち際…手仕事の部分が作品に対する想像力をかき立ててくれます。 〈Interference〉(3,4)は絵の具が特殊で、観る位置や光の角度などによって作品の色彩が微妙に変化するのが面白いです。〈Into Space〉(5)は中央の面に近い「線」から色が派生していく、前2作に比べると動きのある作品。反対に〈Blue Silence〉(6)は画面の100％をある青一色で染め上げる単純なものですが、カンバスの横を観るとこれも重ね塗りが施されております。こちらは筆跡がほとんどうかがえず、こちらに迫ってくるような説得力・重厚感が印象的でした。〈Daily Drawing〉(7)はコロナ禍で、アトリエにも行けない期間中、自宅にある画材を用いて制作されたもの。こちらでは唯一具象っぽい作品もいくつか見られました。 茅ヶ崎市美術館でも一番小さな第3展示室に展示されていたのは《Bound for Eternity》(8,9)。様々な色彩・画材の「波」が盛り上がり、そして沈んでいく様はアンビエントミュージックを聴いているかのよう。部分的には坂本龍一『andata』（「async」収録）のような、色のせめぎ合いを見ているうちに胸がざわつき、そして収まっていくようなイメージです。1枚目みたいな写真が撮りたくなる気持ちはわかるので長居はしませんでしたが、何度もリピートして鑑賞したくなる作品でした。 目で聴ける、優しく美しい音楽を浴びたような気分になれた展覧会でした。 エピローグとして、最後（コインロッカーの隣）に置かれていたのは、誰にも管理されていないホームページ上にあったという、バグったかのような海岸の定点映像《Visions of Color Ⅰ》(10)。これも一種の廃墟美なんでしょうか、原色に近い画面とは対照的に、心穏やかになっていく「余韻」を感じております。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #茅ヶ崎市美術館 #ShingoFrancis #フランシス真悟 #抽象絵画 #abstractart #abstraction #ambient2024/03/31に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#茅ヶ崎市美術館#ShingoFrancis#フランシス真悟#抽象絵画#abstractart#abstraction#ambient8.39%1140「没後50年 木村伊兵衛 写真に生きる」（東京都写真美術館） 戦前～戦後にかけて、小型カメラのライカを手に街に繰り出し、「ライカの名手」として名を馳せた木村伊兵衛。 その写真は非常に軽やかなテンポに溢れるもの。肖像写真などでは比較的安定感がありますが、自らを「報道写真家」と自称したのはなるほどと。メインの被写体が中央で目立つ隅でカメラマンを怪訝に観ている人をトリミングしていなかったり、素材としての生々しさを残すところはある種報道的だと思いました。 パネル解説によると、プロパガンダを要求された戦中に対し、戦後に入ってからは自己表現を求められたとありますが、写真から感じたのはそういういかにもな力みが少なく、むしろ無我の境地とでも言うべきものが。引き算の美しさとでも言うべきものでしょうか。 抽象作品には取り組まなかったようですが、目指しているものはむしろアンビエントなそれと似通ってくるのかも知れません。主張が無いからこそ、作品が空間に入り込み、調和してくれるような気もします。 同時代に活動した土門拳と頭の中で比較しながら観ていたのですが、土門拳は良い写真を残すことが目的・ゴールであるのに対し、木村にとっての写真は手段・通過点。もちろん作品としての高い完成度がありつつ、撮影を通じて考えているような印象がありました。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #写真 #photography #報道写真 #木村伊兵衛 #IheiKimura2024/03/27に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#写真#photography#報道写真#木村伊兵衛#IheiKimura7.21%980「マティス 自由なフォルム」（国立新美術館） 2023年春にも東京都美術館で開催されたマティス展。コロナ禍による延期の影響で、ちょっと珍しい2年連続開催となりました。なお、前回はポンピドゥー・センター、今回はマティス美術館のコレクションが中心となっており、主催も異なる別個の展覧会です。 前回も前回で面白かったんですが、マティスの集大成と言える《ロザリオ礼拝堂》が映像展示で、レプリカ等による再現が無かったことに「無いのか…」と思ってしまったことも事実。もちろん展示として思いついたとしても、敷地スペースや美術館としての設営ノウハウ、予算なども勘案しなければならないのですが… かつて庭に教会（安藤忠雄《光の教会》）を建てたこともある国立新美術館が、礼拝堂内部の再現展示をやってくれました。 白い壁面に黒い線でシンプルに描かれた聖母子像と聖ドミニクス像。内部は太陽に見立てた光がついたり消えたりするようになっていて、やはり白い床面に差し込む、青・緑・黄色のステンドグラスのカラフルな光が美しい。それは従来的な教会の、装飾的なイメージとは異なりますが、よりポップに、親しみやすくアップデートされた感じもあります。より教会の雰囲気を感じたくて、イベントで神父様を呼んできて、礼拝や賛美歌合唱の一つでもできないかなぁとか思っていたり。 ・ 展覧会のキービジュアルに使われている《花と果実》（1952-53）は縦4.1m×横8.7mという、一瞬切り絵には見えないほどの文字通りの大作。デザインっぽい感じもしますが、花の不規則な描き方にはデザインには無い魅力を感じます。 マティスの作品は同時代のキュビスム等に比べ堅牢な理論は感じられず、色彩も描線も遥かに単純。デフォルメされたタッチは童画・漫画のような雰囲気さえあります。しかし、そんな単純にも見える線や色の一つ一つの主張が強く、まるでトリオバンドの演奏を見ているかのよう。作品の不規則性は従来の交響楽とは違う、まさしく「ジャズ」のような人間味、肉体に由来するリズムにも見えてきます。 マティスの絵に潜むこの「リズム」さえ掴めれば、あとはカンバス上の「動き」をひたすら楽しむだけの時間でした。花や葉は揺れ、色彩は点滅し、青い人は白い余白を活用しつつ踊っていく… 目に馴染めば馴染むほどにきっともっと面白くなる、凄い芸術です。 強い理論を持たない（少なくとも見せていない）からこその、マティスの軽やかな自由さを今まで以上に感じた展覧会でした。そしてもう一度お伝えしたいです、「再現展示最高！」と。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #マティス自由なフォルム #マティス #matisse2024/03/23に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#マティス自由なフォルム#マティス#matisse28.4%3833「第8回横浜トリエンナーレ 野草：いま、ここで生きてる」（横浜美術館） タイトルにつけられた「野草」というのは中国の小説家である魯迅の散文詩集のタイトルより。前回は確か夏頃の開催ということもあり、「楽しい」という印象も強かったのですが、今回は昨今の世相を反映し、シビアな話題に触れた作品が多かったように感じました。「楽しむ」を目的に美術館に行くと面食らう作品が多いかと正直思いますが、かつてジェリコーやゴヤがそうしてきたように、同時代を生きる現代芸術だからこそできることでもあります。 印象に残ったのは、複数箇所に展示されていたトマス・ラファの映像シリーズ(2)。中央ヨーロッパの民族系デモ隊と警官隊との衝突を通じ、両者に共通する目的以上の熱狂、キャプションの言葉を使えば「暴力への陶酔」にスポットを合わせたもの。若干カメラアングルの近さはあるにせよ国際ニュースで観るレベルのそれですが、立ち止まってしまう映像作品です。また、作者名を失念してしまったのですが、展示室の壁を覆うようにして足場が組まれ、映像や絵画のインスタレーションをされていた作品も印象的でした(3)。言葉としての主張・メッセージというより、そのパッションに惹かれる作品です。割と有名どころでは、坂本龍一がナム・ジュン・パイクの追悼ライブで使用したバイオリンなんていうものも(4)。まぁ、画像の通りです（笑） 割と穏やかならざるテーマも多い今回でしたが、それだけに縄文土器(8)と、岡本太郎の撮影した写真のインスタレーションが優しい回でもあったと思います。児島善三郎の《長崎風景》も素敵な一枚(1)。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #現代芸術 #ContemporaryArt #横浜トリエンナーレ #yokohamatriennale #yokohamatriennale20242024/03/20に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#現代芸術#ContemporaryArt#横浜トリエンナーレ#yokohamatriennale#yokohamatriennale20247.14%943「生誕120年 安井仲治 僕の大切な写真」（東京ステーションギャラリー） 安井仲治は戦前に活躍したアマチュア写真家。ただアマチュアと言っても、この時代に写真で生計を得ていた者はまだいません。安井は洋紙店勤務を続けつつ、20代ですでに写真展の審査員を複数務め、30代では新聞社主催の講演を行うなど、この道ではむしろ権威的な存在でした。 20年と決して長くはないキャリアのなか、優しいソフトフォーカスのスナップショットや肖像写真に始まり、モホリ＝ナジの影響を受けた前衛芸術的なフォトモンタージュに至るまで、その活動内容は多岐にわたります。 興味深かったのはトリミング（切り抜き）の技術について。 端っこに余計なモノが映ったときにカットすることぐらいはままありますが、全身に近い写真から顔だけをトリミングし、引き延ばして肖像写真として仕立ててしまうなど、かなり大胆なトリミング（切り抜き）をしています。ジャーナリスティックな要素もあるストリートスナップから芸術的感性が重要なモンタージュへの移行というのはかなり大胆な転身に見えるのですが、こういうトリミングを観ていると、元々写真を素材として取り扱う気質、そして技術力はあったのかなと思いました。 とにかく絵画的というか、東アジアの陶磁器を題材としたピンと張った静謐さが漂う静物写真、また西洋絵画で観たような構図もあり、絵画に対する素養の高さも感じます。たとえば《（魚）》（1932頃）という、魚の干物が干されながら風に揺れている、風になびく干物の浮遊感が心地良い写真があったのですが、あれもそういった芸術的感性の賜物だろうと。写真を素材として扱いつつも、決して素材の持ち味を殺しきらない、意味の残し方も秀逸です。 個人的に驚いたのは〈磁力の表情〉という作品シリーズ。砂鉄と磁石を組み合わせ、可視化された磁界を写真に収めたもので、これぞまさしくモノクロ写真ならでは。当然理科の教科書レベルには収まらない、中にはルドンを彷彿とさせるような表現もあり、安井仲治の「魔法」を一番強く感じた写真でした。 ちなみに写真家の森山大道は安井のことを、日本写真界における「素敵な父」と表現しております。私は専門ではないのでそこまで断定的なことは言えないですが、その着想、そして意欲的な表現を試みてもぶれない技量の高さは素晴らしいです。 #japan #museum #JapaneseMuseum #instaart #art #artexhibition #美術鑑賞 #美術館巡り #美術展巡り #写真 #photography #NakajiYasui #安井仲治2024/03/01に公開#japan#museum#JapaneseMuseum#instaart#art#artexhibition#美術鑑賞#美術館巡り#美術展巡り#写真#photography#NakajiYasui#安井仲治10.74%14601234...6>次へ×インフルエンサーコンテンツCSVダウンロード現在設定されている期間・絞り込みで上位1000件までが反映されますダウンロード※ データには投稿ID, キャプション, LIKE数, コメント数の他、投稿日, 投稿URL, Reel再生数, Reel動画尺, スクリーンネーム, 名前, 自己紹介, フォロワー数, ユーザーURLが含まれます。 コンテンツをCSVでダウンロード
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